«On observe toujours les gens qui s’aiment.»
Une rencontre (comme une autre), c’est avant tout une histoire d’amour, une rencontre provoquée et assumée. Un désir délicieux et irrépressible. Une prise de risque.

Elle a 52 ans. Lui 28. Et au fond, quelle importance.
Mais à leur bulle se frotte le monde et sa fâcheuse tendance à préférer les voies toutes tracées. La désapprobation de l’entourage nous parvient alors par la voix d’un frère, d’une mère, d’une épouse, d’un ami psychologue, ou encore d’un ex-mari.

L’auteur est joueur et choisit de faire incarner tous ces personnages par les deux comédiens, nous faisant ainsi virevolter d’une situation à une autre en un claquement de doigts.
Dominique et Marco se laisseront-ils engloutir par la prévision de leur échec apparemment inévitable ou trouveront-ils la force de déjouer les pronostics ?

Cette pièce nous plonge au cœur d’une rencontre improbable entre une femme qui vit avec ses certitudes depuis longtemps et un jeune homme qui n’accepte que l’instant présent. A travers ce texte sensible et ludique, entre fiction et réalité, l'auteur nous rappelle que parfois une rencontre peut bouleverser toute une vie.

Avec cette nouvelle création très attendue, Anne-Cécile Vandalem entame son Cycle des Mondes hantés.

Le point de départ renvoie à un fait survenu en 2018 : la mort de l’étudiant Sanda Dia lors du baptême d’initiation organisé par un cercle de la jeunesse dorée flamande.

Les dix-huit prévenus écoperont de peines légères d’intérêt général. À partir de cette tragédie, Anne-Cécile Vandalem, accompagnée de Joëlle Sambi à l'écriture, imagine une suite. Deux ans après le procès, la famille de la victime accepte de rencontrer celles des deux condamnés. L'entrevue dans une villa en bord de mer du Nord est orchestrée par une journaliste qui espère capter un geste de réconciliation.

Mais ce qui devait être un espace de réparation se transforme en huis clos tendu, où s’affrontent les responsabilités. La Fête active alors une mécanique d’une redoutable intelligence pour exposer la violence des privilèges et nous placer face à nos propres aveuglements. Une brillante expérience de vérité.

Cette sublime comédie écrite en 1778 fit scandale à l’époque car elle dénonçait, bien avant le mouvement #MeToo, les abus de pouvoir dont les femmes sont victimes. Oui, on pouvait déjà être féministe au 18e siècle ! La preuve avec ce chef-d’œuvre de Beaumarchais étonnamment moderne. Dominique Serron et l’Infini Théâtre offrent une comédie de Beaumarchais moderne et enlevée. Sous l’apparente légèreté de noces contrariées se déploient critique des privilèges, réflexion sur l’égalité et luttes sexistes. Accessible à tous, cette version resserrée, joyeuse et musicale résonne avec notre époque. C’est jour de mariage pour le valet Figaro et Suzanne. Tout semble prêt mais rien ne va : le conte convoite la fiancée, une dette ressurgit et les intérêts s’entremêlent ! De révélations en quiproquos, les amoureux vont devoir ruser.

Jonathan est un psy qui va encore plus mal que ses patients. Nora est toute proche de la dépression nerveuse. Jeanne ne comprend pas pourquoi elle a un cancer alors qu’elle fait du yoga et mange bio. Maxime est prêt à (absolument) tout pour rencontrer l’homme de sa vie mais en attendant, il s’ennuie au guichet du Grand Palais. Timotée écrit les discours d’un député mais fuit les engagements. 

Tous font bonne figure, sourient ou tempêtent, mais tous sont en quête du bonheur…

Comédie désopilante, la pièce brosse le portrait de quadragénaires au bout du rouleau, losers magnifiques dont les égos s’entrechoquent dans un ballet de répliques mordantes. Tout y passe, les illusions perdues, les angoisses existentielles, l’amour qui s’étiole, les lâchetés du quotidien… Ça fuse, ça pique et c’est profondément humain.

Nous sommes au Philharmonique de Genève, dans la loge du chef d’orchestre de renommée internationale H.P Miller. A la fin d’un de ses concerts, ce dernier est importuné à maintes reprises par un spectateur envahissant, Léon Dinkel, qui se présente comme un grand admirateur venu de Belgique pour l’applaudir. Cependant, plus l’entrevue se prolonge, plus le comportement de ce visiteur devient étrange et oppressant. Jusqu’à ce qu’il dévoile un objet du passé... Qui est donc cet inquiétant Monsieur Dinkel ? Que veut-il réellement ? Un face à face poignant dont aucun des personnages ne sortira indemne.

Je sais pourquoi ça les rend fous. Parce que je me suis comportée comme la plupart des mecs. J’ai baisé quand je voulais, qui je voulais, j’ai quitté tout de suite après, j’ai choisi sans attendre d’être choisie

En piste ! Dix circassiens diplômés de l’école de cirque social Zip Zap vous emmènent dans un spectacle multicolore, joyeusement énergique. Une célébration de la diversité sud-africaine, illustrant le rêve de Nelson Mandela d’une nation arc-en-ciel capable de s’unir harmonieusement dans une coexistence pacifique. Entre danses et musiques, techniques acrobatiques et jongleries – en solo, duo ou collectivement –, ces jeunes artistes racontent leurs histoires faisant écho au destin de la nation. C’est virtuose, généreux et c’est à partager en famille.

En zoulou (une des langues d’Afrique du Sud), « Moya » est un terme qui signifie esprit, air, âme, vent. Il désigne ce qui rend une personne unique, la richesse de chaque individu, une force vitale capable de révéler le meilleur de chacun. Il est étroitement lié au concept « d’Ubuntu », l’humanité en isixhosa (langue bantoue), qui affirme que la vie d’autrui est au moins aussi importante que la sienne : une maxime sur laquelle repose toute la philosophie de l’école de cirque social Zip Zap. Fondée au Cap il y a 30 ans, cette école utilise les arts du cirque comme levier d’épanouissement et d’émancipation pour la jeunesse sud-africaine, en proie à la précarité et à la violence. Aujourd’hui, elle compte 3000 bénéficiaires directs, dont beaucoup vivent dans des bidonvilles, ont connu la rue et sont confrontés à des obstacles à leur développement personnel. Le spectacle est une métaphore de ce combat.

Enigmatique, flamboyant, mystique et parfois mythique, Personarama envahit le plateau d’un théâtre avec ces figures d’une esthétique troublante et touchante !

Sur la scène apparaissent : une journaliste-oiseau, la poupée de Lacan, trois démons, une metteuse en scène haute en couleur, une créature mi-bouc mi-homme, une licorne noire … et Robinson Crusoé accompagné de ses compagnons d’île. C’est le chaos de la création qui se révèle !

Ces figures fantastiques et fantasmées sont convoquées par un acteur, seul dans le théâtre, aux prises avec une œuvre en devenir et encore naissante. L’acteur-créateur se propose pour faire face au désordre et à la confusion artistique de sortir de la boucle de la répétition, de chercher la ligne de fuite, de se transformer à travers ce que l’on crée, quitte à embrasser le tâtonnement et l’égarement.

Au milieu de ce patchwork improbable, la figure centrale de Crusoé, créateur démiurge d’un monde-île-atelier-théâtre, questionne l’héritage puissant du mythe de la personne occidentale : volontariste, acharnée à modeler l’univers qui l’entoure à son image.

Avec Personarama, Loïc Nébréda construit un spectacle fait de masques et de métamorphoses qui questionne l’acte de création et le trouble qui nait lorsque cette quête intérieure se rend visible et prend la forme de figures aussi impressionnantes que mystérieuses.

Une comédie existentielle… Désespérément seul, un homme se démultiplie pour répondre à une question : que se passe-t-il ici ?

Et tandis que nous rions des gesticulations du personnage principal, un nouveau entre en scène et commence à rire de rien, pour rien, comme ça. Puis un troisième s’annonce en chantant.

Un quatrième nous explique sa rencontre amoureuse avec une extraterrestre. Et ainsi de suite, jusqu’à ce qu’un énième évoque ses soucis de plomberie. Finalement, ce sont plus de quatre-vingts personnages virtuels et loufoques qui déambulent nonchalamment sur le plateau  : le tout incarné par un seul comédien en chair et en os  ! Evidemment, le groupe virtuel s’énerve en découvrant qu’ils sont tous identiques, égaux à eux-mêmes. La rébellion gronde et notre comédien ne sait plus où donner de la tête avec ses personnages. Pourtant, le spectateur les visualise tous et voyage avec eux auprès d’autres chimères et d’autres entités dont cette jeune femme endormie dans sa petite boite. Aux confins du rêve naissent alors de nouvelles fictions qui en recréent d’autres à leur tour dans un abîme sans fond. On finit par ne plus savoir où nous sommes ni surtout qui nous sommes.

Un fabuleux numéro de comédien virtuose qui joue sur le dédoublement du « Je ». Est-ce cela le paradis des hommes ? Un endroit où l’on crée sa propre histoire même douloureuse. Sur sa route sinueuse, Sergi Lopez nous entraîne avec un air de boléro, une caisse en bois et des vraies fausses lunettes en plastique. Un spectacle qui nous fait douter d’absolument tout, même de nous-mêmes. Mais, que se passe-t-il alors ? Peut-être seulement un exceptionnel numéro de comédien !

Trois acteurs sur la touche entreprennent une tournée théâtrale pleine d’imprévus et de rebondissements. Georges Cox, Victor Vialat et Eddie Carpentier sont de vieux comédiens sur le retour. L’un court le cachet, le second vit mal sa retraite, le troisième a une réputation telle que plus personne ne veut l’engager. Tous les trois réussissent néanmoins à se faire embaucher dans une pièce de théâtre : un boulevard médiocre appelé Scoubidou, avec dans le rôle-titre Carla Milo, une diva excentrique. Leur producteur, Chapiron fils, criblé de dettes, va tout faire pour saboter leur tournée et toucher ainsi l’argent des assurances. Mais les trois comédiens résistent avec panache pour défendre leurs petits rôles et ne pas laisser passer ce qui pourrait bien être la dernière chance de leur vie. Hommage touchant à la vie d’artiste ! 

Un conte musical électro-pop.

Une fable burlesque et métaphysique.

C’est l’histoire de Perle, premier enfant hybride de l’humanité. L’animal avec lequel elle est croisée est le varan de Komodo.

Happy Apocalypse est une protopie musicale qui interroge notre capacité à nous transformer. Une ode à l’altérité, à la fragilité, au burlesque. Un tourbillon où se croisent l’astrophysique, la métaphysique et des animaux dansants. Une tentative joyeuse de donner à l’humanité une chance de se réinventer.

« Je voudrais devenir un papillon. Je ne pense pas qu’être humain soit la meilleure option. »

« Comment faire des pompes quand on est un playmobil ? »

Après 1984, le Théâtre du Parc nous propose une adaptation musicale de l’autre célèbre roman de Georges Orwell. Une dizaine d’actrices, d’acteurs, de chanteuses et de chanteurs vous entraîneront dans cette ferme où les animaux ont chassé les hommes pour finalement reconstituer une société encore pire. L’oeuvre n’a pas pris une ride et résonne particulièrement aujourd’hui.
En 1945, Orwell dénonce la dérive totalitaire que fut le stalinisme à partir d’un bel idéal révolutionnaire de liberté, d’égalité et de fraternité. Refusant les conditions difficiles auxquelles les soumettent leur fermier, Monsieur Jones, les animaux d’une ferme, sous l’impulsion des cochons, se révoltent et chassent leur maître. Mais l’ivresse du pouvoir va transformer le paradis en enfer et les animaux finiront par regretter le temps des hommes.
Comme pour 1984, ce spectacle s’adressera au plus grand nombre. Le génie d’Orwell c’est de raconter des choses terribles à travers un conte, une fable accessible à tous. Ce n’est pas étonnant qu’un dessin animé magnifiquement réalisé fut tiré de ce roman.

Un matin, Georges découvre que tous les immeubles autour de son nouvel appartement portent les prénoms de ses ex-compagnes : Villa Christine, Villa Adriana, Villa Clémentine… À peine cherche-t-il à éclaircir ce mystère qu’une nouvelle construction s’annonce : « Villa Émilie ». Serait-ce un présage ? Le prénom de son prochain amour ? Un soir, il rencontre une belle inconnue et, par superstition, il fait tout pour ne pas connaître son prénom, quitte à paraître bizarre…

S’il prend la vie toujours du bon côté, Georges aime aussi la compliquer inutilement. Il va nous raconter comment, à cause de ce défaut, son existence va être bouleversée.

On reconnait la patte de Gilles Dyrek (auteur de « Venise sous la neige ») avec ses jeux de mots, sa quête de sens à travers les mots, son humour fin, intelligent, drôle et subtil.

Une charmante comédie romantique et pétillante. Une bulle de bonheur et de bonne humeur.

Leur ultime spectacle… vraiment ? Après 35 ans d'exploration ludique, de recherches musicologiques, de créations mondiales inédites de partitions de grands maîtres, de musique virtuose, pleine d'humour, de fraicheur et de vivacité qui ont fait vibrer tant de salles, La Framboise Frivole tire sa révérence avec un best-of explosif !
Mais attention : qui dit “dernier spectacle” ne dit pas “dernier fou rire”.
Toujours armés de leur piano, de leur violoncelle et de leur folie douce, ces deux virtuoses de l’absurde revisitent la grande histoire de la musique à leur manière : décalée, brillante et jubilatoire.

Pour votre plus grand plaisir, vous pourrez entendre ou ré-entendre : Ave Maria de Bernstein, Chantal de Gounod, Rhapsodie bohémienne de Liszt, Maria de Bach, La Messe de Requiem de Gershwin, Opéras, oratorios et oratettes, Concerto pour une Fois, Carnaval des Animaux, Les Mariages, Carmina Burana, Les élèves, Les planètes, La Moto, Rhapsodie hongroise de Queen, Le Violoncelle qui parle, Le Ballet de Filip et Mathilde, If... et d'autres surprises.

Ce seul-en-scène de et avec Geneviève Damas aborde, avec humour et tendresse, la question de l’argent et de l’autonomie des femmes. Au départ de son histoire familiale, la comédienne tente de comprendre comment une incapacité quotidienne – dépenser son argent – révèle les traces de la grande Histoire dans les destinées humaines.

En une soirée unique et un programme triple riche en contrastes, découvrez tout le talent de l’Aterballetto, le ballet le plus réputé d’Italie. Inspirée de l’œuvre « Les cendres de Gramsci » de Pier Paolo Pasolini, Cineri révèlera la nouvelle création de Marcos Mauro, un des grands chorégraphes d’aujourd’hui, et interrogera la notion de communauté. Avec Solo Echo incarnée par sept danseurs, Cristal Pite, bien connue pour son épatante grammaire corporelle, associe des sonates de Brahms à la dextérité des mouvements pour explorer les thèmes de l’amour, l’acceptation et la perte. Enfin, Rhapsody in blue d’Iratxe Ansa et Igor Bacovich puise dans le chef-d’œuvre de Gershwin l’inspiration propice à l’énergie collective des seize danseurs. A voir absolument !

Après les succès de ses adaptations de Don Juan et du Malade imaginaire, Tigran Mekhitarian adapte La promesse de l’Aube de Romain Gary, la bouleversante histoire de l’amour inconditionnel d’une mère pour son enfant.

Si La Promesse de l’Aube est le parcours extraordinaire d’une mère qui a sacrifié sa vie pour que son fils perdu au fin fond de la Pologne devienne l’un des plus grands écrivains français, la Promesse de Tigran Mekhitarian, c’est de raconter cette folle aventure sur scène à trois comédiens avec toute son intensité et sa passion.

Mai 1940. La victoire allemande semble inéluctable. L’armée belge est défaite. Le gouvernement et le monarque se retrouvent diamétralement opposés sur la politique à suivre. Le premier choisira la fuite et l’exil pour poursuivre la lutte ; le second décidera de rester et capitulera. Le ressentiment est particulièrement fort entre Léopold III et son ministre des Affaires étrangères Paul-Henri Spaak dont il s’était rapproché avant la guerre et qui est devenu depuis, un incontournable de la politique mondiale. Durant toute l’Occupation, le conflit ne cessera de s’envenimer, de se tordre, pour aboutir dix ans plus tard à un référendum consultatif obligeant chaque Belge à choisir un camp, ce qui conduira le pays au bord de la guerre civile.

Avec Rexit !, duel historique et passionnant, Vincent Stuer revisite ce moment important qui constitue le big bang politique à l’origine de notre démocratie contemporaine. Malentendu tragique, visions inconciliables de la manière dont le pays doit se dresser contre l’envahisseur ?  Sur scène, deux formidables acteurs flamands, Valentijn Dhaenens et Bruno Vanden Broecke (applaudi dans Mission et Para) jouent les personnages emblématiques de Léopold III et de Spaak. Créée en néerlandais au KVS, la pièce est jouée pour la première fois en français.

Avec cette nouvelle création très attendue, Anne-Cécile Vandalem entame son Cycle des Mondes hantés.

Le point de départ renvoie à un fait survenu en 2018 : la mort de l’étudiant Sanda Dia lors du baptême d’initiation organisé par un cercle de la jeunesse dorée flamande.

Les dix-huit prévenus écoperont de peines légères d’intérêt général. À partir de cette tragédie, Anne-Cécile Vandalem, accompagnée de Joëlle Sambi à l'écriture, imagine une suite. Deux ans après le procès, la famille de la victime accepte de rencontrer celles des deux condamnés. L'entrevue dans une villa en bord de mer du Nord est orchestrée par une journaliste qui espère capter un geste de réconciliation.

Mais ce qui devait être un espace de réparation se transforme en huis clos tendu, où s’affrontent les responsabilités. La Fête active alors une mécanique d’une redoutable intelligence pour exposer la violence des privilèges et nous placer face à nos propres aveuglements. Une brillante expérience de vérité.

Pour avoir jeté à la mer le promoteur immobilier Antoine Lazenec, Martial Kermeur vient d’être arrêté par la police. Au juge devant lequel il est déféré, il retrace le cours des événements qui l’ont mené là : son divorce, la garde de son fils Erwan, son licenciement et puis surtout les miroitants projets de Lazenec. Il faut dire que la tentation est grande d’investir toute sa prime de licenciement dans un bel appartement avec vue sur la mer. Encore faut-il qu’il soit construit.

Emmanuel Noblet adapte ici le roman de Tanguy Viel, grand texte sur l’injustice et le besoin d’y remédier, la nécessité, encore et toujours, de réparer les vivants. Il interroge la notion d’intime conviction (article 353 du Code pénal) qui permet d’en appeler moins aux preuves qu’à la conscience des juges et juré·es. Parfois l’injustice est telle qu’il faut y remédier soi-même, prendre ses responsabilités, que l’on soit juge ou assassin, en ne respectant plus la loi ou en l’interprétant favorablement.